Безумные 60-е: хиппи, оп-арт и "бумажная" мода

(Это интересно)
(Это интересно)

Шестидесятые стали десятилетием молодежных субкультур, эксцентричной "бумажной" и "пластиковой" моды и минимализма. Европейские и американские подростки протестовали против политики своих государств, демонстрируя негативное отношение к обществу потребления с помощью одежды из секонд-хэндов. Игнорирование молодежью дизайнерских моделей не помешало громкому дебюту Ива Сен-Лорана и Валентино Гаравани, также пришедшемуся на "безумные шестидесятые". "Если вы помните 60-е, значит, вы тогда не жили", - говорил продюсер группы The Doors Дик Вулф.

"Чем безумнее – тем лучше!"

Пожалуй, самым экстравагантным направлением моды 1960-х стал космический стиль. В 1961 году Юрий Гагарин облетел Землю, и это повлияло не только на развитие науки, но и на моду. Дизайнеры были вдохновлены новыми перспективами и стали создавать причудливые, "инопланетные" модели. Первопроходцем в "космической моде" был дизайнер Андре Курреж, поклонники которого носили лунные ботинки и солнцезащитные очки в форме теннисных мячей. Курреж создавал короткие, похожие на детские, платьица, украшая их сверкающими пайетками и необычными аксессуарами.

Для подобных моделей более подходящими оказались искусственные, а не натуральные материалы – синтетика, пластик, винил. Модельеры украшали платья виниловыми пластинками и ими же скрепляли элементы купальника. В качестве материала использовался и металл. Конечно, сияющие комбинезоны, шлемы причудливой формы и щиты для глаз не прижились на улицах, однако подиумы в то время пестрели необычными "космическими" моделями, над созданием которых работали известные модельеры Пьер Карден и Пако Рабанн.

Мода на синтетические волокна плавно переросла в тенденцию создавать одежду из материалов, ранее использовавшихся в совсем иных целях. Дизайнеры экспериментировали с материалами, изготовлявшимися для космических скафандров, спортивной одежды и военной формы. Модели дефилировали по подиумам в одежде из винила и дакрона, которая на фоне консервативной парижской моды предыдущих десятилетий выглядела сверхоригинально и даже революционно. Эксцентричность предложенных дизайнерами нарядов считалась плюсом – для многих 1960-е прошли под девизом: "Чем безумнее – тем лучше!". Наряду с "пластиковой" и "виниловой" тенденцией в этот период в мире моды протекал и "бумажный бум".

В 1966 году в США фабрика Скотта помимо бумажных предметов обихода стала выпускать и одежду. Бумажные модели были двух расцветок – черно-белые и желто-черно-красные. Коллекцию назвали "Взрыв цвета" и рекомендовали менять при помощи ножниц, а чинить, используя лист бумаги. Надевать подобное платье можно было до пяти раз, а продавались модели "бумажной" моды в специальных магазинах. Производители представляли новые костюмы как воплощение блестящей новаторской идеи и произведение современного искусства.

Уловив новую тенденцию в массовом производстве, бумажные модели стали создавать и дизайнеры. "Бумажными кутюрье" журналисты и публика окрестили Элизу Дэббс и Гарри Гордона, выпускавших платья по три доллара за штуку. Однако не все дизайнеры были столь демократичны – зачастую цены на бумажные модели могли сравниться с кутюрными нарядами. В Нью-Йорке, на Мэдисон-авеню открылся бутик "Парафеналия", где продавалась супермодная пластиковая и бумажная одежда. "Тот, кто с пафосом относится к одежде, отвратителен. Ведь это всего лишь одежда. Она должна быть смешной, ее нельзя воспринимать серьезно", - озвучил настроения в молодежной среде один из основателей "Парафеналии" Пол Янг, сооснователем культового бутика был Энди Уорхол.

Искусство в моде

На фоне популярности картин "Зеленые бутылки кока-колы" и "Банки супа "Кэмпбелл" Уорхол начал переносить свои знаменитые рисунки и на ткань. Создавая одежду по собственным эскизам, он выпустил ставшие популярными платья "Бутылка", "Хрупкость", рубашку "Суп "Кэмпбелл". Рисунки в стиле поп-арт использовали в своих моделях и другие дизайнеры, сделав многократное перенесение привычных объектов на ткань одной из самых ярких тенденций моды 1960-х.

Если влияние кинематографа на моду ощущалось и в предыдущие десятилетия, то живопись проникла в фэшн-индустрию как раз в шестидесятые. Еще одним течением, которое нашло широкое отражение в массовой одежде, стал стиль оп-арт. Картины, выполненные в этом стиле, строились на световых эффектах и контрасте черного и белого цветов. Тенденция выражать человеческие чувства с помощью оптических эффектов появилась в 1950-х, а повсеместное распространение получила уже в середине 1960-х. Черно-белые контрастные полотна зачастую вызывали у зрителей головокружение, а модельеров стиль оп-арт привлекал графической простотой и новизной. Обычно подобные модели одежды были простого кроя, что, впрочем, с лихвой компенсировалось изображенными на ткани искаженными геометрическими фигурами, стилизованными кругами и монохромными спиралями и полосами. "Новая волна рисунка на ткани получила название оп-арт. Основой дизайна становятся современная архитектура и живопись. От романтизма не осталось и следа", - писал в 1966 году журнал Neue Mode.

Новая, в чем-то эксцентричная мода была крайне популярна у подростков. Среди модельеров, вдохновлявшихся новыми течениями в живописи, были Лари Олдрич, Андре Курреж, Ив Сен-Лоран. Последний в 1965 году представил публике коллекцию, основанную на творчестве одного из основоположников абстрактной живописи Пита Мондриана. Модельеры предлагали огромное разнообразие безумных аксессуаров и цветовых контрастов, однако именно противопоставление черного и белого стало настоящим хитом десятилетия. Начиная с 1960-х годов, дизайнеры постоянно черпали идеи в других видах искусства, подтверждая тем самым, что красота – категория не постоянная, а переменная.

"Радикальный шик" и стиль субкультур

Наряду со столицами мировой моды Парижем и Миланом в 1960-х годах свой стиль стал диктовать Лондон. Ведущие издания называли английскую столицу новым центром стиля и моды, а британские дизайнеры наперекор консервативному Парижу предлагали экстравагантные модели, которые стали настоящим символом десятилетия.

После окончания Второй мировой войны и преодоления кризиса финансовая ситуация в европейских странах начала улучшаться. Молодые люди уделяли больше времени музыке, кино и прочим развлечениям. Так в лондонский стиль проникла американская мода на джинсы и косухи, а эмигранты из бывших британских колоний привнесли в столицу Англии стиль западной Индии. Новое направление, сформировавшееся под влиянием самых разных веяний и культур, было ориентировано преимущественно на подростков. На улицах Лондона в то время можно было встретить как молодых людей в этнических нарядах, так и "бунтарей" в футболках и потертых джинсах. В 1966 году журнал Time Magazine опубликовал статью под заголовком "Лондон - город свинга". В конце десятилетия на экран вышли фильмы, отразившие революционный дух того периода: "Фотоувеличение" Микеланджело Антониони и "Спектакль" Николаса Роуга. В это же время на Карнаби-стрит, ставшей культовым местом "свингующего Лондона", появились магазины розничной торговли. В 1960-е бутики предлагали молодежи революционные модели, и эта улица прославилась на весь мир как центр независимой моды.

Бунтарские настроения пятидесятых перекочевали и в шестидесятые. В этот период даже подростки из состоятельных семей одевались в секонд-хэндах, подчеркивая свою исключительность и протест против общества потребления. В крупных городах популярными стали рынки с ретро-одеждой, подростки не боялись сочетать старомодные вещи из разных эпох, не заботясь о моде. В то время как обеспеченные молодые люди демонстрировали свою принадлежность к субкультуре, намеренно надевая старые вещи, для подростков из бедных семей эта тенденция стала возможностью соответствовать веяниям и не тратить деньги. Бунтарский дух, однако, был высмеян многими журналистами, которые называли стилизованную бедность насмешкой над бедностью реальной. Американский писатель Том Вулф отзывался о молодежи, как о капризных детях, играющих в революцию, а сам стиль одежды назвал "радикальным шиком". Модельеры же, пытаясь угодить изменившимся вкусам, начали создавать модели в стиле 30-40-х годов, однако дизайнерская одежда "под ретро" не пользовалась большой популярностью – контркультура игнорировала моду.

Отказ от стиля леди и всех тенденций, популярных в предыдущие десятилетия, привел к самому яркому и массовому движению второй половины шестидесятых – хиппи. Пропагандировавшие любовь и мир, несогласные с политикой своих государств "дети цветов" облачались в экзотическую одежду, привезенную из других стран: южноамериканское пончо, индийские туники и головные уборы эскимосов. Яркие и обильно расшитые наряды хиппи дополняли массивными украшениями – в основном, индийскими браслетами и поясами. Философия хиппи стала настолько популярной, что многие модельеры констатировали закат функционализма. "В отличие от романтического стиля и стиля ар-нуво, фольклорный и спортивный стили вкупе с пестрыми мексиканскими одеждами пользуются сегодня необычайным успехом", - писал журнал Neue Mode. Необычные, яркие и притягательные индийские мотивы захватили в 1960-е всю Европу и Америку, а молодежь теперь носила куртки "йети", пестрые юбки, расклешенные брюки, турецкие шаровары, расшитые рубашки и шубы из длинного меха. Несмотря на то что сами представители субкультур скептически относились к моде, глянцевые издания писали о том, что новый стиль заслуживает пристального внимания и способен оказать серьезное влияние на фэшн-индустрию.

В конце десятилетия яркая психоделическая одежда из искусственных материалов отошла на второй план, а настоящим хитом стал стиль милитари. Использование военных вещей в повседневной жизни тоже было своеобразным протестом, последовавшим за прокатившимися по Европе протестами 1968 года: так молодежь пыталась придать одежде, предназначенной для сражений, мирный характер. Камуфляж с грубыми заплатками украшали символами мира, юбки и туфли в стиле милитари разукрашивали в красный и розовый цвета. Такую одежду носили представители самых разных субкультур, а особенно популярны были куртки больших размеров с символами воздушной авиации США. Тогда же модельеры начали экспериментировать с оливково-зеленым цветом, получившим название хаки.

Тенденция к минимализму и главный символ десятилетия

В 1960-е широкое распространение получила одежда из эластичных тканей. Мысль о том, что иметь в гардеробе много вещей неудобно и что женщины вполне смогут обходиться всего несколькими базовыми моделями, посещала модельеров еще в 1930-е и 1940-е годы. Клэр Маккарделл в 1934 году предложила сменить все разнообразие фасонов и моделей на несколько основных элементов, а в начале следующего десятилетия она первой создала леотар - трико с длинными рукавами - и сделала его основой образа. Базовыми вещами гардероба модельер считала черную водолазку и колготки. По-настоящему популярной идея комбинации нескольких простых вещей стала в шестидесятые, когда женщинам предлагалось иметь в гардеробе лишь топ, жакет, юбку и брюки.

Сведение количества одежды к минимуму в этот период стало возможным благодаря появлению эластичных тканей. В 1960-е модельер Джорджио ди Сант-Анджело начал искать новые способы создания тканей. Он работал с шерстью и акриловой нитью, а также изобрел эластичный шелк, который мог растягиваться в любом направлении. Из эластичного шелка и лайкры шились и купальники, и вечерние топы. Художник по костюмам Жак Фонтерей в 1968 году писал: "Я уверен, что трико или одна из его разновидностей станет основным элементом одежды будущего". Фонтерей оказался прав: именно эластичные модели 1960-х послужили основой для создания современной одежды - от спортивных костюмов до вечерних нарядов.

1960-е стали очередным десятилетием, полностью изменившим представления о стандартах женской красоты. Если после войны модельеры ориентировались на матерей семейства и женщин с формами, то в шестидесятые в моду вновь вошла андрогинность, а символом новых стандартов привлекательности стала знаменитая Лесли Хорнби, известная как Твигги. Худощавая девочка-подросток с наивно раскрытыми глазами появлялась на обложках ведущих глянцевых изданий, а девушки по всему миру стали соблюдать жесткие диеты, желая походить на своего кумира. Твигги стала первой моделью, чей образ воплощал идеалы десятилетия, модельеры создавали одежду для очень худых девушек с мальчишескими фигурами. В модных журналах и на плакатах она появлялась в мини-юбках и платьях от Мэри Квант и воплощала "кукольный" стиль, необычайно популярный в 1960-х. Наряду с поклонниками у Твигги были и недоброжелатели – многие журналисты называли ее болезненно худой и "голодной" девочкой, однако это не помешало распространению моды на андрогинность – в шестидесятые мужчины часто ходили с длинными волосами, а молодые женщины предпочитали короткие стрижки и платья-мини, таким образом выражая нежелание взрослеть.

Громкие дебюты 1960-х

Шестидесятые стали началом гениальной карьеры Ива Сен-Лорана, который громко заявил о себе уже в начале десятилетия. В 1957 году, после смерти Кристиана Диора, 21-летний Сен-Лоран занял место креативного директора Дома Dior. Однако уже в 1960 году юный модельер создал свою последнюю коллекцию для бренда: руководители Dior решили, что молодой дизайнер не вправе навязывать поклонникам высокой моды уличный стиль, и распрощались с Сен-Лораном. Через два года кутюрье выпустил первую коллекцию под собственным именем, для которой создал двубортный блейзер с золотыми пуговицами и шелковые брюки. Позже сам модельер и многие другие дизайнеры использовали эту модель.

Ив Сен-Лоран был одним из первых модельеров, не побоявшихся создавать революционную одежду в стиле оп-арт и поп-арт, а также предложил смокинг для женщин и наряды в стиле "Африка" и "Сафари". Он смело сочетал самые яркие цвета, ярко-розовое платье дополняя канареечным пиджаком, комбинируя черный с коричневым, оранжевый с красным и фиолетовый с синим.

Еще один громкий дебют десятилетия – появление в мире моды итальянского "шейха шика" Валентино Гаравани. Получив образование в Париже, в конце 1950-х он вернулся в родную Италию, где открыл Дом мод, явивший миру ставшие легендарными фирменные красные платья. Яркие платья стали "визитной карточкой" Гаравани, а у красного цвета дизайнер различал тридцать оттенков. Громкий международный дебют Валентино состоялся в 1962 году, а в 1968-м вышла его знаменитая "белая коллекция", целиком состоящая из вещей белого цвета. Тогда же модельер впервые использовал логотип "V". Женственные платья от Валентино стали символами роскошной жизни, и звезды Голливуда заваливали кутюрье заказами. В 1968 году кружевное платье от Гаравани, в котором Жаклин Кеннеди выходила замуж за Аристотеля Онассиса, попало на страницы практически всех ведущих изданий.

разместил(а)  Симонова Оксана


Коментарии

Добавить Ваш комментарий


Вам будет интересно: